Monthly Archives of: März 2009

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Bollwerk gegen das Fremde oder Brücke zum Fremden?

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Gestern ist Aleida Assmann mit dem Paul-Watzlawick-Ehrenring ausgezeichnet worden. Anlässlich ihres Aufenthaltes in Wien gab sie dem Standard ein Interview, in dem sie vor dem Hintergrund eines möglichen EU-Beitritts der Türkei nach den Grenzen der Idee Europas bzw. einer europäischen Erinnerungskultur gefragt wurde.

Die Außengrenze Europas gegenüber der Türkei könne man aus zwei verschiedenen Perspektiven sehen, so Assmann:

„als Bollwerk gegen das Fremde oder als Brücke zum Fremden“.

Im Sinne von Innovation und Weiterentwicklung ist die Antwort klar, meine Antwort dazu kennen Sie ja. Aleida Assmann tendiert in die gleiche Richtung. Nun kann man darüber reden, dass es darum gehe, Brücken zu schlagen. Man kann aber auch etwas dafür tun, zum Beispiel künstlerische Kooperationsprojekte entwickeln und realisieren.

Da trifft es sich gut, dass die EU solche Aktivitäten finanziell unterstützt. Derzeit läuft ein Call, mit dem Brüssel lokale  kulturelle Projekte in acht Nicht-EU-Ländern fördert, Einreichfrist ist der 1. Mai. Und dann gibt es seit kurzem noch eine Pilotaktion, in der es um die Mobilität von KünstlerInnen und Kulturschaffenden geht, wobei unter „Kulturschaffenden“ auch Fachleute, Kulturmanager, Produzenten, Organisatoren, Wissenschaftler, Journalisten und Vermittler aus dem Kulturbereich gemeint sind, wie es auf der Website des österreichischen Cultural Contact Point heißt. Es geht darum, die kulturelle Vielfalt zu fördern und das vor allem durch eine erhöhte Mobilität. Die kostet in der Regel etwa und genau dafür gibt es nun Geldmittel aus den Brüsseler Fördertöpfen.

Die Antragsunterlagen finden Sie hier, sie ähneln übrigens denen des ganz normalen Kulturförderprogramms. Einreichfrist ist der 15. Mai. Schauen Sie sich die Ausschreibung mal an, vielleicht ist das ja was für Sie?

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stART.09: letzter Tag des Call for Paper

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Nur ein kurzer Hinweis: heute ist die letzte Möglichkeit, sich am Call for Paper der stART.09 zu beteiligen. Wenn Sie Interesse daran haben, ein Projekt oder ein Thema auf der Konferenz Ende September in Duisburg vorzustellen, dann schicken Sie uns bitte ein kurzes Abstract.

Alle dafür notwendigen Informationen gibt es auf der Website der stART.09

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Kunst- und Kulturförderung: eine Vision

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© Stephanie Hofschlaeger; Pixelio

Vor einem Monat fragte die Los Angeles Times KünstlerInnen unter der Überschrift “ If I ran the NEA“ nach Ihren Ideen, mit der größten öffentlichen Fördereinrichtung, dem National Endowment for the Arts neue Impulse zu setzen.

Die Antworten fallen – logischerweise – sehr unterschiedlich aus, schließlich kommen die befragten Personen aus den verschiedensten Bereichen. Am wertvollsten ist aber sicher der anschließende Kommentar von Theresa Larkin, die an der California State University Professorin am Department of Theatre Arts and Dance ist und im Anschluss an den eigentlichen Artikel eine Vision entwirft, die zeigt, wie wichtig Kunst und Kultur für unsere Gesellschaft, aber auch für uns selbst als Individuum ist.

Ich würde mir wünschen, dass dieser Kommentar der Ausgangspunkt aller Diskussionen ist, die wir über Kunst und Kultur führen. Wenn wir über ihre Bedeutung, die Rahmenbedingungen, aber auch die finanzielle Unterstützung reden. Wenn es darum geht, einen Etat wieder um ein paar Prozent zu kürzen oder zu behaupten, dass Kunst und Kultur eh nicht mehr so wichtig sind. Ich erlaube mir, ihn hier in voller Länge zu zitieren, da ich der Meinung bin, dass das Szenario von Theresa Larkin so lesenswert ist, dass ich mir nicht anmaßen möchte, irgendwo Kürzungen vorzunehmen:

„I see real value in the vision statements presented by a few of the interviews posted, namely Kurt Anderson and Jon Robin Baitz.

I have restated a some of their ideas and added a few of my own in numbered suggestions for how I would coordinate NEA funding.

As an artist, educator, community activist, documentarian, and citizen, I would fund…

1.) A national system that creates a synthesis of young and old artists from across many disciplines to teach in schools and community centers that have lost funding for programs in the arts.

2.) Programs for artists, teachers, sociologists, politicos, workers, managers, business owners, and entrepreneurs to engage in generating extended collaborative artistic and creative training workshops and performances carefully addressing pressing social needs to be presented in all political and cultural environments ranging from the White House, Congress, Wall Street, courtrooms, galleries, restaurants, shipyards, hospitals, schools, churches, police precincts, shopping centers, to food banks, detention centers, jails, prisons, and homeless shelters.

3.) Commissions awarded to teaching artists of all levels of artistic status to create uniquely structured tour able performance lectures and workshop residencies designed to teach critical thinking skills and creative problem solving in order to engage citizens in a purposeful way with each other. These workshops could be topic-specific and offered to social service groups, underserved populations, the uneducated, the ill, the aged, the impoverished, and homeless. Have those same artists develop engaged and lasting partnerships with community members and their communities. Engage the corporations, small business owners, and non-profit organizations (including education and government) to coordinate programming for infrastructural development that supports community empowerment through activism. Forge alliances across cultures, sub-cultures, class, gender, religious, ideological, and language divides.

4.) Frequent town halls to be offered in lovely settings that are free to the public and are structured to encourage large and small community discussion groups. Allow structured time and space to be made available for sustained and open community discussions with trained moderators who know how to facilitate deep dialectical exchanges that encourage critical thinking skills and goodwill. Too often talks are one-sided, too short, taken over by hostile audience members, and moderated to address only a few ideas that are never fully explored. Audience members leave unfulfilled and frustrated by the lack of true discourse. Usually the audience feedback is just a way for struggling non-profits to obtain more funding and, as a result, is unsuccessful in forming lasting community engagements.

5.) Programs supporting creative partnerships and/or strategic alliances across the arts, industry, and education. Linking non-profits working alongside profits. Not simply to facilitate a better public relations image or tax-write off but in order to forge a true coalescence of forces, intents, purposes, and interactions. One example: Artists, architects, landscape designers, and city urban planners work in conjunction with City of LA Neighborhood Councils and the Million Trees Project to beautify and plant trees in blighted neighborhoods. Beautify the environments for everyone to enjoy. Add fountains with recyclable rainwater. Afterwards, have performing playwrights, poets, composers, musicians, dancers, videographers, and cultural ethnographers regularly perform in these urban idylls and interview residents about the change in the aesthetics of their neighborhoods. Coordinate and present the responses into a mediacized performance in different locations throughout the city and have members of the community, the city officials, and entrepreneurs hear how the community feels about having a more beautiful park-like green environments. Document the journey across the city into another documentary that is made available to educators, policy makers and community members for free and can be seen on YouTube.

6.) Vision Centers that bring together great thinkers and creatives, (similar to TED) to share, consider, discuss and vett new ideas through community dialogues what the community members really need and want. Then answer those needs with ongoing skills training, workshops and artistic performances addressing those ideas and developing initiatives.

7.) Archive quality video documentation of all the NEA funded activities coordinating artists with collaborating visual artists, composers, choreographers, videographers and editors charged with the task of making new art of the art that has been created within communities and position it all on YouTube for all to experience and enjoy.

Art does not just happen. It is cultivated. It fails and then succeeds. It needs time. It needs love. It needs support. It needs feedback. It needs funding.

Artists need funding.

Furthermore, the arts and education is not a one-way delivery system but a much needed collaborative relationship joining individuals and organizations. Non-profits dedicated to creating art need to refocus their purpose to not only producing artistic product, that may or may not tour to underserved or underprivileged communities, as suggested by many of your interviewees, but also teach and share the process of living artfully by creating sustaining engagements within those communities regardless of the artistic genre.

One way to encourage a win-win engagement is to allow artists, community organizers, activists, teachers, intellectuals, politicians, and citizens of ALL ages to be a part of the artistic creative process. Include funding for a deeper artistic happening that is structured in multiple dimensions of interaction through talks, master classes, developmental workshops, demonstration, and free artistic documentation, regardless if it is an art exhibition, dance concert, solo performance, spoken word event, dance, concert, staged reading, or fully produced theatre play.

Allow the artists to speak purposefully to their artistic process as well as the product cultivated by the funding and witnessed by the audience. Provide the much needed time and space for the artist to interact with the audience. To articulate why art was a path chosen in life. How the aesthetic is/was formed. Time and space to build bridges for all experiencing the artistic work to walk across…so each one can be empowered in an artistic way of learning, inquiring, exploring, thinking, responding to, and living.

The goal of the artistic work should be to stimulate the dialogues that lead one to more skilled, purposeful, philosophic, creative, and critical thinking life style.

Finally, to all the naysayers of public funding, please consider that watching film, television, late night talk shows, or listening to hate radio has had more to do with our culture declining, more to do with the numbing apathy, more to do with the young and old becoming alienated, being addicted to video games and internet pornography than any failed, misguided and poorly funded artistic project or self-important ’status-hungry‘ struggling artist.

Art can heal. Art can teach. Art can save lives, but only through collaborative and purposeful communication.

We all need to connect in positive ways with each other in order to feel a more vital part of our families, communities, and society at large. Once the basics are met, we, as active citizens living within a society, need to learn and grow in knowledge and experience. There is no better path to enrich one’s soul, mind and heart than the arts. ALL OF THE ARTS!

In the history of the world, the best artist, in every society, emerges as a sage, a truth teller, a heartfelt communicator, and a caring teaching practitioner who lives to give back to the community. Someone seeking a unique way to celebrate and interpret the times he/she/we are living. However, throughout time and to this present moment, too many truly talented people are never able to reach their true creative and artistic potential, are never developed primarily because of the lack of funding and the fierce competitiveness that suppresses more egalitarian noncompetitive artists and practitioners.

Each citizen in our country needs to seriously consider why we are so easily manipulated, so deeply in debt, so alienated from one another, so cynical, so frightened, so addicted, so intolerant, so filled with hate, so unfaithful, so disdainful of the “other”, and so violent. My answer is we do not know one another. We only know the other when we dialogue. We do not dialogue until we share a positive growth experience. But most of the time we do not talk with one another. We do not share. We do not create. And as a result, we do not care about one another or the world.

The arts can create a more purposeful dialogue. Greater caring can result.

NEA funding is one vital step in the direction of improving our selves, our communities, and our nation.

Via Theatre Ideas

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Online-Marketing im Kunst- und Kulturbereich: social und so

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© Gerd Altmann; Pixelio

Ich kann Simon A. Frank verstehen. Seit einigen Jahren fordert und fördert er den Einsatz von Social Media und nie ist wirklich was passiert. Und nun? Plötzlich entdeckt der Kunst- und Kulturbereich das Social Web. An jeder Ecke taucht jemand auf, aber, so Frank in seinem Unsinn 2.0 betitelten Blogpost,

„wenn ich heute Mitarbeiter aus Theaterbetrieben, Museen oder Hochschulen voller Begeisterung über das „neue Web 2.0″ reden höre, kommen mir die Tränen.“

Wie das halt so ist. Noch vor zwei, drei Jahren wurde man nicht ernst genommen,

„(a)ber heute steht Ihr ganz stolz da: Unser Theater ist in YouTube! Unser Museum hat ein Blog!“

heißt es bei ihm weiter. Frank bemängelt, dass es an den entsprechenden Voraussetzungen fehle, denn dem klassischen Online-Marketing würden die Kulturbetriebe ziemlich skeptisch gegenüberstehen. Und wer das nicht behersche, der brauche sich nicht wundern, wenn die Geschichte mit dem Social Web dann ordentlich in die Hose gehe.

Gut, aber was heißt das nun? Alle zurück an den Start und erst einmal die Hausaufgaben machen? Lernen, was  wir beispielswesie unter Suchmaschinenmarketing verstehen? Das wird nicht funktionieren, denn die Frage, ob man was gegen diese Entwicklung machen könne, beantwortet er gleich selbst mit einem „Nein“.

Was mir auffällt: immer mehr Kultureinrichtungen sind auf Facebook anzutreffen und immer häufiger findet man sie auch auf Twitter. Da werden Fanseiten eingerichtet und im Tweet Veranstaltungen beworben.  Das gehört sicher dazu, keine Frage, aber ist das schon alles? Ein Veranstaltungshinweis wird nicht dadurch interessanter, dass er via Twitter oder Facebook kommuniziert wird.

Interessanterweise vermisse ich bis heute bei den Kunst- und Kultureinrichtungen das in meinen Augen wichtigste Tool, nämlich das Weblog. Natürlich gibt es mittlerweile schon ein paar Versuche, aber seien wir ehrlich, bis jetzt sind die Resultate eher bescheiden. Mir fällt da adhoc nur das dacapo Blog der Duisburger Philharmoniker ein.

Vor etwa zwei Wochen fragte mich jemand aus dem Theaterbereich, ob ich glauben würde, dass ein Blog für sein Haus gut wäre. Meine Gegenfrage, was sich denn dadurch ändern sollte, löste Erstaunen aus und mündete dann in der Standardantwort: mehr Öffentlichkeit und mehr Zuschauer. Die Antwort ist auch noch nicht falsch, denn das sind zwei nicht wegzudenkende Erfolgsfaktoren für die meisten Kulturbetriebe. Entscheidend ist dann aber die Frage, in welcher Form da das Social Web dazu beitragen kann? Wenn Sie diese Frage nicht beantworten können, dürfen Sie sich hinterher nicht beschweren, wenn es irgendwie nicht so ganz rund läuft.

Wenn Sie Ihr Ziel noch nicht so klar vor Augen haben, versuchen Sie es doch mal mit der von Steve de Shazer im Rahmen der Lösungsorientierten Kurzzeittherapie entwickelten Wunderfrage, bei der durch das Erleben des Zielzustands mögliche Lösungen gefunden werden. Die Wunderfrage lautet:

„Ich möchte Ihnen jetzt eine ungewöhnliche Frage stellen. Stellen Sie sich vor, Sie gehen nach Hause und legen sich wie immer zu Bett. Und während Sie heute Nacht schlafen und es ganz ruhig ist, geschieht ein Wunder. Das Wunder besteht darin, dass das Problem, das Sie hierher geführt hat, gelöst ist. Allerdings wissen Sie nicht, dass das Wunder geschehen ist, weil Sie ja schlafen. Wenn Sie also morgen früh aufwachen, was wird dann anders sein, das Ihnen sagt, dass ein Wunder geschehen ist und das Problem, das Sie hierher geführt hat, gelöst ist?“

Sie werden sehen, da spielt das Thema Web2.0 erst einmal gar keine große Rolle. Und Simon A. Frank muss sich keine Sorgen machen, dass „wir (..), die Webzweinuller“, dafür verantwortlich gemacht werden, wenn sich mit Blog & Co nicht automatisch der Erfolg einstellt.

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Eine kurze Geschichte des (Internet)-Trolls

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Trolle stammen, so kann man es bei Wikipedia nachlesen, aus der germanischen Mythologie. Dass sich daraus der Internet-Troll ableitet, wusste ich bis jetzt noch nicht. Aber im entsprechenden Beitrag über die Trolle, die Foren, Chats, etc. unsicher machen, heißt es:

„Obwohl Trolle in der Mythologie nicht ausschließlich als böse beschrieben werden, ist ihre leichte Reizbarkeit legendär, aus der heraus sie oftmals nicht nachvollziehbare Handlungen begehen. Daraus leitet sich nach Meinung vieler die Analogie zum Internet-Troll ab.“

Wirklich anerkannt ist diese Herleitung alllerdings nicht. Aber vielleicht erscheint ihnen diese Geschichte der Trolle hier ja plausibler?

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Twitter im Blog lesen, ja oder nein?

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WordPress bietet seit kurzem ein Tool an, mit dem sich die eigenen Twitter-Nachrichten, auch Tweets genannt, hier in das Blog einbinden lassen. Sie können dann z.B. immer die fünf letzten Tweets in der rechten Spalte lesen. Ich hatte sie eben gerade kurz eingebaut, sie dann aber recht schnell wieder rausgenommen.

Warum? Einerseits ist das in meinen Augen ein Zuviel an Informationen. Ich bezeichne das Social Web immer als eine Art Kommunikationsraum, in dem man sich frei bewegen kann und muss. Die Kunst oder die Herausforderung, je nachdem, wie man es sieht, besteht für mich darin, sich in diesem Raum bewegen zu können. Twitter, das Blog oder die social networks sind für mich so etwas wie Inseln, an denen jede/r andocken kann, die/der das möchte.

Ich selbst stelle fest, dass ich auf diesen verschiedenen Inseln auch ganz unterschiedliche Menschen treffe, was ich sehr schätze, denn wenn ich auf Xing, auf Twitter und im Blog immer mit den selben Menschen kommuniziere, dann stellt sich mir die Frage, warum wir uns nicht auf ein Tool einigen? Das wäre dann doch einfacher und auch sinnvoller, oder? Insofern sind das Blog, Twitter und was es da noch so alles gibt, unterschiedliche Angebote, die sich auch teilweise an unterschiedliche Zielgruppen richten. So haben Sie die Wahl und werden nicht zwangsbeglückt. :-)

Andererseits, und damit bin ich beim zweiten Grund, ist Twitter für mich etwas anderes als das Blog. Heinz Wittenbrink hat diesen Unterschied auf seinem Blog Lost and Found mal sehr schön auf den Punkt gebracht. Während es beim Bloggen, so schreibt er, um Gedanken- und Erfahrungsaustausch gehe, bezeichnet er Twitter als ein Tool, das es einer Community erlaubt, sich in Echtzeit zu beobachten.

Zwischen dem Gedanken- und Erfahrungsaustausch und der Beobachtung in Echtzeit bestehen aber riesige Unterschiede und ich gehe nicht davon aus, dass sich alle automatisch für beide Punkte interessieren. Und wer das doch tut, hat ja jederzeit die Möglichkeit, mir auf Twitter zu folgen. Aber wie sehen Sie das? Ähnlich oder sind Sie ganz anderer Meinung?

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Wie gehen wir mit Komplexität um?

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Das ist interessant: Patrick Fritz beschäftigt sich auf Jahooda mit dem Thema Komplexität. In seinem Beitrag „Komplexität aus dem System nehmen“ hat er seine wichtigsten Fundstücke zusammen gefasst und kommt zu folgendem Ergebnis:

„Ich versuche die Dinge so einfach wie möglich zu halten, mache sie aber auch nicht einfacher wie sie sind.“

Das heißt, um beispielsweise ein komplexes Projekt zu steuern, brauche ich eben auch ein komplexes Steuersystem. Wie aber gehen wir mit Komplexität um? Patrick Fritz hat dazu ein Video entdeckt, in dem Peter Kruse diese Frage beantwortet:

Ein sehenswertes Video, in dem Kruse darlegt, dass es vor allem auf unsere Intuition ankommt. Intuition, und diesen Satz möchte ich hier zitieren,

„ist die Fähigkeit des Gehirns, komplexe Muster zu bilden, jenseits meines Verstehens“,

sagt Kruse. Unseren Versuchen, die Komplexität der Systeme zu verstehen, erteilt er eine Absage und schlägt damit in die gleiche Kerbe wie Claudia Sommer, die auf ihrem Blog Me, myself and I nach der Lektüre von David Weinbergers Buch Das Ende der Schublade: Die Macht der neuen digitalen Unordnung feststellt:

„Unser Denken in festen Kategorien führt uns auf Dauer nicht weiter, wir müssen lernen, mit Chaos, Unordnung und Unschärfe umzugehen.

Und beide, Claudia Sommer als auch Peter Kruse, geben eine ähnliche Richtung vor, um uns in dieser Welt zurecht zu finden. Für Sommer sind es vor allem die social networks, in denen wir die Informationen finden, die wir brauchen. Peter Kruse gibt uns den Ratschlag:

„Vernetzen Sie sich mit allem, was da ist.“

Dann mal los…

Lesetipp: Was unterscheidet komplizierte und komplexe Aufgaben?

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Die finanzielle Planung von Projekten (Teil V)

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© Kurt Bouda; Pixelio

Bis jetzt hatten wir immer nur von DEN Kosten gesprochen. Nun werden Sie bei der Projektplanung nicht einfach eine Zahl in Ihre Kalkulation stellen, sondern sich vielleicht überlegen, wie viele Kataloge denn beispielsweise anlässlich der nächsten Ausstellung gedruckt werden sollen. Klar ist, die Druckkosten werden von der Auflage abhängen. Wir sprechen in diesem Fall von variablen Kosten, d.h. ihre Höhe hängt von der Zahl der gedruckten Kataloge ab.

Wir alle wissen, je höher die Anzahl der gedruckten Kataloge, desto niedriger die Kosten pro Katalog. In diesem Fall haben wir es mit einem degressiven Kostenverlauf zu tun, wenn bei steigender Menge die Stückkosten sinken. Das Gegenteil dazu ist der progressive Kostenverlauf, bei dem bei steigender Menge auch die Stückkosten steigen. Im Handbuch „Erfolgreich Kultur finanzieren“ bringt Günther Dey in seinem Beitrag „Der Charakter der Kosten und ihre Zuordnung“ (A 1.3-4) das Beispiel der Überstundenzuschläge, die eine solche Wirkung haben können, wie er schreibt.

Als fixe Kosten gelten hingegen die Honorare, die die AutorInnen für ihre Beiträge im Ausstellungskatalog erhalten. Diese Honorare müssen gezahlt werden, egal ob die Auflage des Katalogs 100 oder 1.000 beträgt. An diesem Rädchen können Sie als Finanzverantwortliche/r eines Projektes in der Regel nicht mehr drehen. Stellen Sie fest, dass im Projektverlauf das Geld knapp wird, können Sie an dieser Stelle nicht sparen. Sie brauchen ja schließlich die Texte für den Katalog.

Sparen können Sie hingegen bei den variablen Kosten, indem Sie etwa nur eine geringere Anzahl drucken lassen. Insofern macht es Sinn, bei der Projektplanung zwischen fixen und variablen Kosten zu unterscheiden.

In diesem Fall spricht man von der Teilkostenrechnung, im Unterschied zur Vollkostenrechnung, die die Unterscheidung zwischen fixen und variablen Kosten nicht kennt. Die Vollkostenrechnung kennt dafür den Unterschied zwischen Einzelkosten und Gemeinkosten. Während bei den Einzelkosten die Kosten dem Produkt oder der Leistung (dem Kostenträger) direkt zugeordnet werden können, lassen sich die Gemeinkosten nur mittelbar verteilen, d.h. die Kosten sind den verschiedenen Kostenträgern nicht eindeutig zuordenbar. In Projekten sei das, so schreibt Andreas Preißner in seinem Buch Projekte budgetieren und planen relativ einfach, da das Projekt der Kostenträger sei und alle Projektkosten damit Einzelkosten.

Außerhalb des Projektbereichs sind beispielsweise die Kosten für das Bühnenbild oder die Kostüme, die für eine Inszenierung gebraucht werden, als Einzelkosten anzusehen. Der Steuerberater, der das Theater berät, ist im Unterschied zu den Kostümen oder dem Bühnenbild nicht einer Inszenierung zuzuordnen und fällt daher in die Kategorie Gemeinkosten. Sein Honorar muss also strenggenommen auf die verschiedenen Inszenierungen innerhalb eines Leistungsabschnitts (z.B. Geschäftsjahr) verteilt werden.

Das heißt, es macht für Projekte im Kunst- und Kulturbereich in der Regel Sinn, die Teilkostenrechnung zu verwenden. Dieser Ansatz lässt viel exaktere Aussagen zu und trägt so dazu bei, dass ich schon in der Phase der Planung erkennen kann, wo etwaige finanzielle Schwachstellen des Vorhabens sind und welche Möglichkeiten es gibt, auf der Kostenseite gegenzusteuern.

Überblick:

Die finanzielle Planung von Projekten (Teil IV)
Die finanzielle Planung von Projekten (Teil VI)

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Die Sache mit den politischen Prozessen

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Gerade las ich auf Carta einen Artikel über die Schwierigkeiten, mit denen der „kostenpflichtige Universaljournalismus“ zu kämpfen hat. Ein Absatz ist mir dabei besonders ins Auge gestochen, in dem Robin Meyer-Lucht über das Funktionieren politischer Prozesse schreibt:

„Es ist entscheidend, dass ein Ministerium sich öffentlich sichtbar die Zeit nimmt, einer Branche öffentlich zuzuhören. Entsprechend sei die Inszenierung eines solchen Hearings mindestens ebenso wichtig, wie das konkret Besprochene. Das Ministerium zeigt: Ihr seit uns wichtig. Wir hören Euch zu. Nur politische Heißsporne würden nicht verstehen, dass Gesetzesvorhaben genau so über Jahre vorbereitet würden.“

Übertragen auf den Kunst- und Kulturbereich heißt das: es geht nicht nur darum, politische Forderungen zu stellen, sondern das Augenmerk auch auf die Inszenierung dieser Abläufe zu richten, um die Erfolgsaussichten zu erhöhen. Interessant!